Картина панно рисунок Словотворие Рисование и живопись Времена вдохновения

Наверное, никто не будет утверждать, что обычного человека может сделать художником знание уже существующей живописи. Но также никто не может утверждать, что знание живописи может помешать стать художником. По каким критериям можно определить, стал ли автор дизайна одежды художником или нет? Хотя бы по наличию хорошего вкуса и вежливого отношения к традициям и современности. Возможно, не только поэтому, но в том числе поэтому. Олега Ажгихина знают в Ижевске как создателя интересных коллекций одежды, руководителя школы «Ажиотаж» и модного джентльмена с хорошим вкусом. Также можно познакомиться с ним как с художником и ценителем живописи, если понимать под словом «художник» профессию, связанную именно с рисованием и живописью.
Поиски единомышленников в изоискусстве и дизайне одежды всегда становятся трудным путешествием. В творческой биографии автора одежды может случиться знакомство с изоискусством, если он создаёт коллекцию одежды из ткани, изображающей сюжеты картин. Коллекция «Времена года» выполнена автором в 2003 г. Фасон жакетов, брюк и юбок смоделирован в классических линиях. Материалом для этой коллекции стали гобелен и полиэстер, представляющие изображения пейзажей, разработанные современными создателями тканей. Те, кто знает классическую живопись, изображающую пейзажи, могут заметить сходство коллекции «Времена года» с картинами, ставшими классикой. Массовый зритель может представлять себе российскую пейзажную живопись лучше, чем пейзажную живопись других стран. Светлая нежность природы, изображённой на материале для коллекции, отражает сюжеты картин таких художников, изображающих природу, как Константин Вещилов, Исаак Левитан, Василий Поленов. Модели, составляющие «Времена года», представляют парные костюмы для мужчин и женщин. Зима, весна, лето и осень выходят на подиум в мужском и женском образах. Ещё одна модель коллекции – женский комплект из пальто и юбки, украшенный перьями и стразами, похожий на образ Царевны-Лебеди Михаила Врубеля. Коллекция «Времена года» – участник конкурсов «Лучший дизайнер УР» и «Всероссийского конкурса дизайнеров» Московского Дома Моды Вячеслава Зайцева 2003 г., победитель Республиканского фестиваля моды «Золотая игла – 2003» в конкурсе «Лучшая коллекция моделей одежды».
Обычно, говоря о живописи, зрители уделяют больше внимания портретам. Трудно рассказать многое о пейзажах. Казалось бы, сюжет пейзажа видно сразу. Это может быть идиллическая природа, манящая прогуляться по загадочным тропинкам. Может быть стихийное бедствие, вызывающее тревогу. По насыщенным ярким цветам или сдержанной гамме можно определить, жара или холод являются температурой пейзажа. Самое лёгкое для понимания зрителя – определить время года, запечатлённое на картине. Именно это стало основной идеей коллекции. Можно заметить, что одежда, представленная в коллекции «Времена года», выполнена из тканей светлой гаммы, оттенки которой плавно перетекают друг в друга. Светлые серо-голубые оттенки почти сливаются со светлыми серо-зелёными. Более тёмные зелёные оттенки переходят в бежевые. Это наводит на мысль о том, что времена года в понимании дизайнера происходят в одном и том же мире. Искусствоведение предполагает знание традиций живописи. В нём есть и более простые задачи, например, разглядеть отличие одного изображения от другого, если зритель видит только деревья в открытом пространстве. Возникла мысль сравнить модели коллекции «Времена года» с пейзажами русских художников. Некоторые картины Константина Вещилова, Исаака Левитана и Василия Поленова объединяет тема изображения водоёмов в разные времена года. С этими картинами в чистых нежных тонах перекликаются оттенки коллекции одежды. В весенней модели есть деталь с изображением пейзажа с текущей водой, это вызвало интерес к водной теме пейзажей. Также можно рассмотреть картину Михаила Врубеля «Царевна-Лебедь» как источник вдохновения для модели, особенно обогащённой деталями.
Возможно, все, кто что-то создаёт, находятся между двух крайностей. Можно изобразить что-то, потому что так легло на душу или хотелось выплеснуть эмоции. Можно создать результат, потому что хотелось бы заявить о себе, обозначить свой авторский почерк и ожидать, что эта деятельность станет творческой биографией. Тогда признанный мэтр, у которого есть выставки в элитарных галереях и показы на подиумах, может захотеть изображать что-то для души и обсуждать это в дружеской беседе. Не всегда понятно, вправе ли известный автор рассчитывать на диалог с теми, кто придумывает творческие идеи просто для удовольствия. У автора статьи Леониды Богомоловой сложился такой диалог с дизайнером, имеющим яркую творческую судьбу. Олег Ажгихин стал для меня учителем искусства дефиле в школе моделей «Ажиотаж». В то время я создавала собственные коллекции платьев: «Зимний бал», «Весенний бал», «Летний бал», «Осенний бал». Тогда я ещё не знала о существовании коллекции «Времена года». Сейчас хотелось бы назвать её автора моим предшественником. Коллекции мастера и его ученицы выглядят каждая по-своему. Модели Олега предназначены для ношения мужчинами и женщинами, тогда как я шила только женские модели. «Времена года» Олега завораживают нежностью цветовой гаммы, а бальные платья, задуманные мной, часто получались насыщенных тёплых оттенков. Ещё одна коллекция, созданная мной, имеет название «Невеста». Она включает в себя платья из белых тканей. Источником вдохновения для неё стали картины Михаила Врубеля «Царевна-Лебедь» и «Ангел с кадилом и свечой».
Олега Ажгихина можно назвать не только дизайнером одежды, но и художником. Может быть, автора делает художником поиск равновесия между классической живописью и современными способами выражения идеи, между выражением идеи в красках или фактурах тканей. Из этого состоит умение вглядываться, замечать тонкости визуального искусства. И также из этого состоит задача художника в живописи или в текстиле.

Константин Вещилов, «Зимний пейзаж с елями»
Константин Александрович Вещилов (1878–1945) – художник с многогранным талантом и разносторонними интересами в изобразительном искусстве. Изучал мастерство живописи в нескольких учебных заведениях Санкт-Петербурга, таких как Рисовальная школа Общества поощрения художеств, Рисовальная школа Марии Тенишевой, Петербургская Академия художеств. Интересы Вещилова как художника соприкасаются с разной тематикой и жанрами изоискусства. Автор изображает в сюжетах своих картин исторических личностей, например, Ивана Грозного, Степана Разина, царевну Софью. Второй профессиональной деятельностью Вещилова становится история, изучаемая в Санкт-Петербургском археологическом институте. Благодаря историческому образованию художник имеет целостное представление о событиях, произошедших в разные эпохи, изображаемых в живописи. Место работы художника Морского министерства связано с изображением морских пейзажей. Кроме величественной красоты моря, сюжеты картин изображают политические события русско-японской войны, сражения на море в этот период. Зрительные образы пейзажей изображены Вещиловым не только на территории России. Египет, Палестина и Италия стали для художника источником вдохновения в изображении природы и архитектуры. Пейзажи интересуют Вещилова не только как сюжет, ценный сам по себе. Изображения пейзажей разных стран впоследствии используются в картинах на темы искусства и истории разных национальных культур. Интересы Вещилова также связаны с театральным искусством. Он стал автором эскизов костюмов и декораций для петербургских театров – Театра Литературно-художественного общества и Театра музыкальной драмы.
«Зимний пейзаж с елями» начала XX в. выглядит нежным образом зимы, тихим уголком лесной природы. Сложно представить, мог ли создатель картин с масштабными событиями обратить внимание на скромный пейзаж с невысокими елями. Именно на этой картине зимний пейзаж выглядит необычно. Его удивительная деталь – водоём, не покрытый льдом. Возможно, это начало или конец зимы. Течение воды стремится вперёд, поэтому в картине чувствуется движение. Снег не полностью закрывает еловые ветки. Возникает впечатление, что это конец зимы, приближающийся к началу весны. Цветовая гамма снега состоит из голубых, белых и сиреневых оттенков. Снежный покров выглядит хрупким, непрочным, готовым распасться на множество снежинок. Главной частью пейзажа являются снег и вода. Зима в исполнении Вещилова предстаёт лёгкой и солнечной.
На фото: модель из коллекции Олега Ажгихина «Времена года» с изображением зимнего пейзажа.

Исаак Левитан, «Весна. Большая вода»
Исаак Ильич Левитан (1860–1900) – русский художник еврейского происхождения, признанный мастер пейзажа, выражающий через состояние природы обращение к зрителю. Становление художника произошло в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. На пейзажах, изображаемых художником, можно увидеть пространство Москвы. Также многими источниками вдохновения Левитана стали небольшие населённые пункты рядом с Москвой, маленькие города, деревни, дачные посёлки. Узнаваемые образы картин художника – небольшие дома среди обширного пространства, наполненного небом, водой и травяным покровом. Усадебная культура нашла отражение в пейзажах Левитана, места для жизни и отдыха подарили знакомство с сюжетами для разных картин. Ярким впечатлением Левитана стала Волга, широкая река, всегда выглядящая по-новому во время солнца или дождя. Любовь к российским пейзажам давала художнику вдохновение для творчества, но также стала драматичной линией его жизни. Рядом с пейзажистом находились те, кто сомневался в его праве изображать впечатления от мест, находящихся в России. Творческое вдохновение автора связывалось не только со знанием родных мест. Также Левитан собирал впечатления во Франции, Италии, Финляндии – как от реально существующей природы, так и от выставок художников, работающих в каждой стране. Левитан сравнивал собственный опыт с мастерством жителей разных стран. Талант и интересы художника нашли воплощение в его деятельности. В конце 1880-х – начале 1890-х гг. Левитан возглавляет пейзажный класс в Училище изящных искусств.
Пейзаж «Весна. Большая вода» 1897 г. имеет разные варианты знаков препинания в названии. Есть предположения, что в реальности художник мог видеть такое явление природы в Тверской губернии. Первоначальная идея пейзажа, наполненного водой, могла возникнуть от 1895 до 1897 гг., или, возможно, в 1894 г., во время нахождения художника за границей как воспоминание о родных местах. Местом первого показа картины публике стала 24-я выставка Товарищества передвижных художественных выставок. Картина включается в искусствоведении в «мажорную серию» работ Левитана 1895–1897 гг. Несколько картин изображают весеннюю или осеннюю природу в ярких и жизнерадостных красках. Если на картине весеннее время, весна показана солнечной и ясной. В изображении осени использованы чистые и яркие тона, она выглядит «золотой», такой, какой осень бывает в своём начале. По сравнению с такими картинами, пронизанными светом, другие пейзажи Левитана выглядят более сдержанными, имеющими затенённость. «Весна. Большая вода» изображает выход реки из русла, в результате чего деревья, стоящие на земле, оказываются среди водоёма. Если приглядеться к заднему плану картины, можно заметить дома, стоящие в окружении воды. Это небезопасное явление природы. Картина Левитана изображает напряжённый сюжет в цветовой гамме, которую можно назвать праздничной. На картине много оттенков голубого, светлых на небе и насыщенных в воде. Растительный пейзаж состоит из золотистых тонов. Внешне он напоминает период золотой осени. Возможно, золотистая гамма образуется в результате солнечного света. Тонкие стволы берёз создают ещё большее впечатление света. Если не знать о том, что реальное событие, изображённое автором – половодье, можно подумать, что это романтическая природа, написанная под впечатлением весеннего календарного праздника. Впечатление, производимое картиной «Весна. Большая вода» на зрителей и критиков, можно назвать скорее нежным и чарующим, чем бурной радостью, присущей другим картинам «мажорной серии». Возможно, тема весеннего разлива реки означает идею о весеннем обновлении, о переосмыслении в душе смотрящего, об отказе от того, что может помешать духовному очищению. «Весна. Большая вода» становится радостным событием скорее для души, чем для земного бытия.
На фото: модель из коллекции Олега Ажгихина «Времена года» с изображением весеннего пейзажа.

Василий Поленов, «Заросший пруд»
Василий Дмитриевич Поленов (1844–1927) – художник, талантливо создающий как историческую и жанровую, так и пейзажную живопись. Интерес к спокойной первозданной природе возник у художника благодаря впечатлениям из детства. Дворянская семья, к которой принадлежал Поленов, жила в имении Имоченицы Олонецкой губернии рядом с Санкт-Петербургом. Связь с традициями усадебной культуры сформировала вкус к пейзажному искусству. Первый опыт в рисовании и живописи Поленов приобретает в детстве во время частных занятий с домашними учителями. Впоследствии он получает одновременно два образования: как студент физико-математического факультета Императорского Санкт-Петербургского университета и как вольнослушатель Императорской Академии художеств. Сюжеты живописи художника выглядят разнообразно. На картинах появляются сюжеты из Библии, посвящённые таким персонажам как Иов или блудный сын. Поленов приезжает в Австрию, Германию, Италию, Францию, воспроизводит в живописи темы разных национальных культур, связанные с историческими событиями или реалиями настоящего времени. Пейзажные изображения также становятся источником творческого вдохновения художника. В России Поленов становится участником армии в сербско-черногоро-турецкой войне и русско-турецкой войне. Во время военных действий художник отправляет в журнал «Пчела» зарисовки того, что находится рядом с ним, преимущественно пейзажные. После войны Поленов становится преподавателем Московского училища живописи, ваяния и зодчества. Один из учеников Поленова – Исаак Левитан, хранящий в себе восхищение пейзажным искусством. Впечатления Поленова, полученные в разное время и в разных географических точках, находят отражение в новой деятельности. Поленов переходит к работе автора театральных декораций. Спектакли, оформленные Поленовым, входят в репертуар Большого театра и Русской частной оперы Саввы Мамонтова. В то же время тема пейзажа продолжает затрагивать воображение художника. Пейзажные изображения остаются неотъемлемой частью его работы. Источником вдохновения для зарисовок природы теперь становится усадьба Абрамцево, принадлежащая Савве Мамонтову, место встречи художников, актёров и музыкантов.
Картина Василия Поленова «Заросший пруд» 1879 г. является последней из трёх картин в серии работ, посвящённой уютным пространствам, имеющим свои традиции. Перед написанием «Заросшего пруда» были написаны картины «Московский дворик» и «Бабушкин сад». В 1877 г. Поленов возвращается из службы в армии к мирной жизни. Художник живёт в Москве в Дурновском переулке. В это время он начинает работу над картинами, изображающими места со своей историей. Это пейзажи, где можно увидеть как природу, так и архитектурные строения и людей. Здания занимают примерно столько же места на картине, сколько изображение растительности. Фигуры людей выглядят миниатюрными, увиденными на дальнем расстоянии, не отвлекающими внимания от ландшафта. Таким образом написаны «Московский дворик», законченный в 1878 г., и «Бабушкин сад» 1878 г. В 1879 г. появляется следующая картина на тему уединения в патриархальном мире. Пейзаж «Заросший пруд» создаётся под впечатлением поездки на дачу родителей художника в деревне Петрушки рядом с Киевом. Новое географическое положение вдохновляет Поленова на создание разных этюдов, запечатлевающих водоём и растения рядом с ним. Общее впечатление превращается в идею для картины «Заросший пруд». По настроению третий пейзаж напоминает два предыдущих. Но в нём есть и признаки деталей, обозначающие переход к другой мысли. «Заросший пруд» не изображает архитектурных строений, на этом пейзаже можно увидеть только природу. В правой части картины изображена женская фигура на деревянной скамье. Моделью для женского образа стала Вера Поленова-Хрущова, сестра художника. На первый взгляд сложно увидеть присутствие женщины сразу. Модель не выполняет главную функцию на картине, она воспринимается скорее как часть замершего природного мира. В композиции пейзажа используется диагональ. Из правой части картины, где фигура на скамье находится рядом с зарослями деревьев, протягивается песчаная тропинка, переходящая в деревянные мостки. Вода в пруду разливается от берега до нижней левой части картины, если выбрать диагональное расположение как точку зрения. Картину можно рассматривать в обратном направлении, тогда динамика движения будет направлена от столкновения пруда с берегом к тропинке и дальше в глубь растительной части пейзажа. Пруд мог бы стать небольшой частью пейзажа по сравнению с деревьями на берегу и травой, частично закрывающей воду. В видении художника пруд становится смысловым центром картины. Деревья видны не полностью, создаётся впечатление, что они уходят на задний план. Листья и кувшинки в пруду составляют отдельный природный мир. В цветовой гамме картины можно наблюдать много светлых оттенков зелёного. Вода в пруду изображена непрозрачной, отражающей зелень деревьев, нависающих над прудом. Трава, растущая вокруг пруда, напоминает сплетающийся венок. Гамма светлых и тёмных зелёных и бирюзовых оттенков перемешивается. Листва деревьев и затемнённый водоём образуют слияние земной и водной стихии. Кажется, что растительный мир опрокидывается в пруд, а в это время вода поднимается навстречу земле. Возможно, художник изобразил эту часть дачного мира как место, где останавливается время и где человек оказывается на границе между двумя стихиями. Здесь создаётся пространство творца для размышлений, вдохновения, обращения к мечтам.
На фото: модель из коллекции Олега Ажгихина «Времена года» с изображением летнего пейзажа.

Василий Поленов, «Осень в Абрамцеве»
«Осень в Абрамцеве», пейзаж 1890 г., изображает часть осеннего леса, находящегося возле воды. Усадьба Абрамцево подарила многим создателям творчества, в том числе и Поленову, яркие впечатления. В этом пространстве могли встретиться представители разных видов искусства и создать диалог. Такая возможность взаимодействия могла бы вдохновить художников на создание портретов, театрального изоискусства, портретов тех, кто находился рядом, в сценических образах. Для Поленова Абрамцево открывается как мир затишья, идиллической природы, возможности уединиться с целью обдумать направление творческих поисков. Усадебное пространство отображается в работах Поленова в виде пейзажей. Это могут быть окультуренные ландшафты, находящиеся рядом с жилым помещением, или первозданная природа. Лес на картине «Осень в Абрамцеве» выглядит естественным. Лиственные деревья написаны в золотистой гамме, хвойные – в тёмно-зелёной. Это означает, что в пейзаже запечатлена ранняя осень. Небо выглядит ясным и светлым, как во время тёплой погоды. Изображение осенних деревьев незаметно сливается с изображением воды. Вода кажется застывшей, светлые и тёмные золотистые оттенки листьев, отражённых в воде, превращаются в колорит водной глади. Пейзаж, изображённый здесь, стал одним из тех сюжетов, где Поленов не показывает передний и задний планы на контрасте, а соединяет их в уравновешенную композицию. Также это сюжет, для которого не требуется участие людей, поэтому в пейзаже не участвуют изображения людей даже в качестве силуэтов или фигур, видимых издалека. Написание таких пейзажей усиливает интерес Поленова к диалогу с природой как с натурой, что приводит к отказу от внимания к человеческим фигурам.
На фото: модель из коллекции Олега Ажгихина «Времена года» с изображением осеннего пейзажа.

Картина Михаила Врубеля «Царевна-Лебедь» 1900 г. приобрела широкую известность. Российскому зрителю трудно представить Царевну-Лебедь в каком-либо другом образе. Но сказочная Царевна-Лебедь, изображённая художником, существовала не только в ипостаси модели живописного полотна. Изначально образ Царевны-Лебеди возник благодаря театральной постановке и сценографии. Опера Николая Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» была впервые поставлена в Частной опере Саввы Мамонтова в 1900 г. Врубель стал автором эскизов костюмов и декораций «Сказки о царе Салтане». Роль Царевны-Лебеди исполнила оперная певица Надежда Забела-Врубель, жена художника. Идеи, связанные со сказочным сюжетом и театральной постановкой, соединились для Врубеля в прекрасную фантазию о такой деве-птице, какую он представлял в своих мечтах. Искусство эскиза театрального костюма отличается от портретирования. Театральный костюм должен быть изображён так, чтобы создавалось точное представление о том, как нужно изготовить такое изделие и как в нём будет двигаться актёр, играющий на сцене. Изображение модели на портрете требует проникновения в её психологизм. Глядя на фотографии актрисы в роли Царевны-Лебеди, можно рассмотреть детали костюма. При этом становится заметно, что театральный костюм отличается от того, что можно увидеть на картине Врубеля, написанной в качестве портрета Царевны-Лебеди. Изображённая красавица завораживает взглядом тёмно-синих глаз. Сохранились воспоминания о том, что она имеет сходство с Надеждой Забелой-Врубель и в то же время выглядит необычно, как порождение магического мира представлений художника. Зритель не сразу задумывается о том, что героиня Врубеля выглядит не хрупким и слабым созданием, пострадавшим от колдовства, а гордой властительницей мира воды, способной увести человека за собой. Интересная особенность картины заключается также в том, что по изображению трудно определить фасон одежды Царевны-Лебеди. Можно детально рассмотреть только головной убор модели, кроме этого зритель видит только оперение крыльев, состоящее из переливов нежных оттенков. При этом изначальная идея визуального изображения девушки, превращённой в птицу, возникла из создания театральных костюмов. Картина приобретает новые смыслы, когда художник находит средства для её окончательного исполнения. В культуре, современной Врубелю, лебедь отражается не только как романтическая героиня волшебной сказки на любовную тему. Образ лебеди символизирует духовную силу, готовность принимать решения, возможность предупредить земных людей о каких-либо переменах, радостных или печальных. Героиня картины Врубеля отражает в себе обращение к духовным ценностям и знание культурных традиций. Но также это удивительный взгляд художника на сказочный образ, благодаря чему Царевна-Лебедь на картине имеет собственные магические черты, присущие только ей, выделяющие её среди других героинь.
В коллекции Олега Ажгихина «Времена года» присутствует модель, напоминающая образ Царевны-Лебеди с одноимённой картины Михаила Врубеля. В данный момент нет возможности разместить фото модели. Рисунок Леониды Богомоловой выполнен по ассоциации с моделью Олега Ажгихина.